Per un pugno di dollari, ecco come il film di Sergio Leone è diventato leggenda (da ilfattoquotidiano.it)

Il regista voleva Henry Fonda, poi ideò l’accorgimento del sigaro per Clint Eastwood. La pellicola in sala stentava, poi il passaparola – all’inizio sponsorizzato – portò il successo. Sabato prossimo l’opera chiuderà il Festival dopo la cerimonia di assegnazione della Palma d’oro, con tanto di presentazione affidata a Quentin Tarantino

di Giampiero Calapà

Clint Eastwood è stato la disperazione di Sergio Leone. Quando se lo ritrovò davanti fu sconvolto. “Ha un viso d’angelo, è inespressivo, anzi ha due espressioni: una col cappello e una senza. Non è adatto per il mio Joe”. Il regista avrebbe voluto Henry Fonda, ma non ci fu niente da fare. Joe, sigaro e pistola, è il protagonista di Per un pugno di dollari, anno 1964. Cinquant’anni fa. Una pellicola entrata nel mito, che ha permesso alla storia di un genere, il western, di non morire con i classici americani e il volto di John Wayne. Una storia che continua ancora oggi e che ritornerà sul grande schermo in versione restaurata – dal Laboratorio l’immagine ritrovata per Cineteca di Bologna e Unidis Jolly Film – a Cannes: sabato prossimo chiuderà il Festival dopo la cerimonia di assegnazione della Palma d’oro, con tanto di presentazione affidata a Quentin Tarantino.

Clint Eastwood è stato la disperazione di Leone, ma per pochissimo tempo. Una volta digerita l’assenza di Henry Fonda, con quel giovane biondo sul set, il regista creò una leggenda del cinema con un semplice accorgimento: il sigaro, inseparabile compagno di Joe. “Proprio così – racconta Pier Giorgio Palladino, nipote di Giorgio Papi, produttore, per la Jolly Film, insieme ad Arrigo Colombo nel 1964 – questi almeno sono i racconti di mio nonno ascoltando i quali sono cresciuto. Eastwood negli Stati Uniti faceva cose per la televisione, in quegli anni stava girando una serie, Rawhide, ma era sconosciuto. E l’impatto di Leone con l’attore fu negativo, ma poi le cose cambiarono. Tu non parlare, basta che hai il sigaro in bocca”.

Così è nato il mito. “Poi si è rivelato con gli anni uno straordinario attore e un grande regista”. Clint Eastwood con Per un pugno di dollari guadagnò 13.500 dollari. Nel 1964 già una bella cifra per un comune mortale, ma quasi niente per l’Olimpo del cinema. D’altra parte il cachet di Gian Maria Volonté, Ramon Rojo nel film, era 2 milioni di vecchie lire. Il budget totale era di circa 100 milioni. Non esattamente una grande produzione. Il film si fece. Dopo un’apparizione senza grande fortuna al Festival del Cinema di Sorrento, la pellicola è all’Excelsior, una vecchia sala nel centro di Firenze. È fine agosto e alle prime proiezioni l’Excelsior rimane quasi vuoto. Qui comincia una leggenda nella leggenda, perché una versione della storia, come raccontata in parte dallo stesso Leone, fa riferimento al “passaparola” che, dopo il primo weekend deludente, pian piano fa riempire la sala, tanto da tenere il film per sei mesi consecutivi. Un’altra versione fa riferimento ai commessi viaggiatori, divenuti fan di Per un pugno di dollari nell’attesa tra un treno e l’altro. La versione del produttore Giorgio Papi, raccontata oggi dal nipote Pier Giorgio Palladino, è inedita: “Mio nonno ci ha sempre detto che quel ‘passaparola’ fu comprato all’inizio. Nel senso che mise mano alla tasca e riempì la sala acquistando lui i biglietti e regalandoli, per ben cinque giorni. Passati i quali il passaparola diventò reale e da quel momento il successo di Per un pugno di dollari è stato inarrestabile”. Tanto da arrivare al Festival di Cannes come grande evento di chiusura nel 2014, cinquant’anni dopo.

“Il lavoro di restauro – spiega la vicedirettrice del Laboratorio di Bologna, Elena Tammaccaro – è stato possibile anche grazie a una collaborazione d’eccezione, quella del direttore della fotografia Ennio Guarnieri, che ci ha consentito di riportare i colori alla loro versione originale”. Anche le musiche sono state rimasterizzate, “seguendo le indicazioni dello stesso Ennio Morricone – racconta ancora Palladino – che ne è stato alla fine entusiasta”. A Cannes saranno prioiettati anche gli altri due film della Trilogia del dollaro (sempre restaurati dal Laboratorio l’immagine ritrovata) Per qualche dollaro in più del 1965 e Il buono, il brutto e il cattivo del 1966. Da giugno, per almeno sei settimane, la Trilogia del dollaro di Leone, nella nuova versione restaurata, tornerà anche nelle sale italiane. E adesso Ramon Rojo può morire sputando sangue.

Federico Fellini forever. Scorsese: “È stato il mio maestro” (da repubblica.it)

A vent’anni dalla scomparsa del regista di “La dolce vita”, il cineasta americano parla dei suoi film preferiti, dell’influenza che ha avuto su di lui e sul cinema mondiale, dei loro incontri. “Sapeva riconoscere le fantasie, i terrori, le nostalgie infantili che ci portiamo dietro come esseri umani, e dargli forma e vita sullo schermo”

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LOS ANGELES – Martin Scorsese, figlio di immigrati italiani a New York, ha scoperto il suo destino ficcandosi nei cinemetti di Little Italy, dove dopo la scuola vedeva tutti i film italiani che arrivavano in quel periodo. Il neorealismo prevalentemente: Rossellini, De Sica, poi Antonioni, certo, ma soprattutto Fellini. Quando vide Le notti di Cabiria, La Strada, I Vitelloni, il giovane Scorsese era già pazzo per il cinema. La passione per Fellini non si affievolì mai: La dolce vita, 8 e 1/2… ormai ventenne studiava cinema alla NYU. Nella lista dei dieci film che lui considera più importanti 8 e 1/2 è al primo posto. Scorsese si è battuto forse più di chiunque altro per il restauro e la conservazione dei film dei grandi registi del passato, grazie anche alla Film Foundation, creata nel 1990 proprio per dare attenzione e fondi a classici che rischiano di sparire. Nel 2010 ha seguito personalmente il restauro digitale di La dolce vita realizzata dalla Cineteca di Bologna e da Medusa. Ha scritto libri e realizzato documentari sul cinema italiano, mettendo sempre Fellini davanti a tutti. Quante volte ha ripetuto: “È stato Fellini a spingermi verso il mio cinema. Ci sono pochi registi che hanno allargato il nostro modo di vedere e hanno completamente cambiato il modo in cui sperimentiamo questa forma d’arte. Fellini è uno di loro. Non basta chiamarlo regista, era un maestro”.

https://www.youtube.com/watch?v=om-5XKY3OX4

Da Lo sceicco bianco del 1952 a La voce della Luna del 1990 passando per Le notti di Cabiria, La dolce vita, Giulietta degli spiriti, Amarcord e gli altri: un video omaggio a Federico Fellini a vent’anni dalla scomparsa per ritrovare i suoi personaggi, le sue storie, i suoi sogni.

Che giudizio dà dei suoi film? Cominciamo da La strada.
“Quando uscì ero un adolescente. Fu uno dei film che mi aprì le porte del cinema. Avevo già visto film stranieri, anche italiani ma La strada, così come Il settimo sigillo di Bergman, metteva insieme l’arte di fare cinema con la cultura di un mondo antico, la storia era come un mito antico, rielaborato”. Amarcord invece è un film molto speciale, pieno di visioni straordinarie, la nave da crociera, la donnona tabaccaia che si spalma sul ragazzino, la sequenza col Principe e Gradisca. Mi ricordo che Calvino in La strada di S. Giovanni scrisse che Amarcord era il film che davvero aveva catturato lo spirito dell’Italia durante gli anni del fascismo.

Le notti di Cabiria?
“L’ho visto di nuovo negli anni Novanta e ne sono stato sopraffatto. Era emotivamente potente quando è uscito, e il suo potere è solo aumentato nei decenni. Tra i primi anni ’60 e il 1965, i più importanti cineasti cominciavano a realizzare i loro primi film a colori. Truffaut con Fahrenheit 451, Resnais con Muriel, Demy con The Umbrellas of Cherbourg, Godard con A Woman is a Woman e Contempt, Antonioni con Deserto Rosso e Fellini con Giulietta degli spiriti. Eravamo eccitati dal fatto che tutti questi registi stessero lavorando col colore, e non ne fummo delusi. Potevi sentire l’eccitazione del regista mentre lavorava con qeusta nuova tavolozza. E Fellini portò il colore ancora oltre, molto oltre, con Toby Dammit. La strada rese Fellini un artista conosciuto a livello internazionale, con La dolce vita è diventato una superstar. Un film che eccitava, terrorizzava, divertiva, inteneriva. Sembrava essere tutto e ovunque allo stesso tempo. Un film forte e osée all’epoca e ancora oggi. Con le sue tre ore, e l’apparente assenza di un filo conduttore, era una grande rottura stilistica dai suoi film precedenti”.

Veniamo a 8 ½.
“Per me è uno dei più grandi film mai realizzati. Perché va direttamente al cuore della creatività, la creatività nel cinema, che è circondato da infinite e fastidiose distrazioni e varietà di follia. E per il fatto che la storia di Guido diventa una sorta di storia di tutti noi, diventa viva, vibrante, va verso il sublime. I vitelloni è stato uno dei miei favoriti. In molti modi lo sentivo molto vicino alla mia propria esperienza, e occupa un posto speciale nell’opera di Fellini. Lo ha fatto prima di diventare una superstar internazionale, e ha un’intimità alla quale non è mai più tornato. La combinazione dello stile di vita di questi trentenni che ancora vivevano con le madri nella cittadina di Rimini, e l’umorismo di Alberto Sordi, quel tipo di umorismo che mi ricordava l’umorismo di strada in cui ero cresciuto a New York, mi hanno fatto pensare: se lui lo può fare su Rimini, io lo posso fare su Elisabeth Street. I vitelloni entra in Goodfellas, nei rapporti dei personaggi con genitori, le ragazze, i matrimoni: era molto vicino al mondo in cui sono cresciuto”.

Martin Scorsese

Che idea s’è fatto del rapporto tra Fellini e Mastroianni?
“Il loro è stato uno dei più forti sodalizi della storia del cinema, impossibile capire dove finisce uno e comincia l’altro”.

Che ricordi ha dei suoi incontri con Fellini?
“Ci siamo incontrati varie volte, dal 1970 fino al suo ultimo anno di vita, e siamo diventati amici. Era generoso, brllante, e naturalmente incredibilmente divertente”.

Che influenza ha avuto sul suo cinema e sulla cinema in generale?
“Sono stato influenzato dal suo coraggio, da quello che osava fare, dall’esempio che ha dato. Alcuni notano gli eccessi dei suoi film, la sua stravaganza, ma quando guardi il suo lavoro ti accorgi che dietro c’è un grande rigore. Capisci che faceva film sull’eccesso. Il suo modo di osare è altrove, non stava nel filmare donne con enormi seni e piccoli uomini con facce grottesche che sorridono alla cinepresa su set incredibili. Era nel guardare da vicino, anche in modo compulsivo, se stesso, gli altri uomini e donne e il mondo che creiamo. Era nelle fantasie e i terrori e le nostalgie infantili che ci portiamo dietro come esseri umani, sapeva riconoscerli, dargli forma e vita sullo schermo. Non posso nemmeno cominciare a dire quanto Fellini abbia influenzato il cinema nel mondo. Diciamo in più modi di quanti se ne possano elencare”.

Ettore Scola a Bologna: “Dopo 40 anni i vizi morali dell’Italia sono sempre gli stessi” (da ilfattoquotidiano.it)

Per la rassegna Cinevino, il regista romano presenta La più bella serata della mia vita. Protagonista un Sordi che porta i soldi in Svizzera, viene fermato da quattro magistrati in pensione e messo sotto finto processo: “Un industriale sicuro di sé, volgare, donnaiolo e senza scrupoli. Ci sembrava originale all’epoca e ce lo siamo ritrovati oggi nei più alti luoghi della vita pubblica del paese”

di Davide Turrini

L’estate scorsa ha annunciato di essersi ritirato definitivamente dal mestiere di regista. Ettore Scola, romano, 79 anni, più di trenta film alle spalle e altrettante sceneggiature all’attivo, ha però trovato il tempo di venire a Bologna venerdì 20 gennaio per presentare alle ore 20.30 al cinema Lumiere, La più bella serata della mia vita, con un Alberto Sordi protagonista d’annata. Non a caso, il film di Scola è il secondo appuntamento della rassegna Cinevino, ideata e introdotta ogni volta dal regista Jonathan Nossiter, dove ogni film verrà accompagnato da un bicchiere di vino naturale o biodinamico proveniente dalle migliori cantine d’Italia.

“Credo mi abbiano chiamato perché nel film si bevono molti vini raffinati, anche se è un lato abbastanza marginale del narrato”, dichiara Scola al fattoquotidiano.it. Eppure il regista di capolavori del cinema italiano come C’eravamo tanto amati o Una giornata particolare porta uno dei suoi più bistrattati e dimenticati film del decennio dei settanta in cui il protagonista Sordi, un uomo senza scrupoli che sta andando in Svizzera in auto per depositare dei fondi “neri” o soldi sporchi, viene attratto dalla sinuosa presenta di una motociclista in tuta nera (Janet Agren) che lo conduce in una villa abitata da quattro magistrati in pensione dediti a ricostruire processi storici. In questo caso, tra il serio e il faceto, in una dimensione iperbolica quanto grottesca, l’imputato diventa il Sordi affarista, poi condannato a morte per le sue attività illecite.

Già nel 1972 nella cultura del nostro paese era presente un personaggio disonesto e farabutto di questo tipo?

“Infatti, quando si dice che i film non invecchiano non mi sembra un gran complimento, perché se il cinema deve aiutare a cambiare un po’ le cose, vedendo che dopo quarant’anni ci sono ancora film attuali, vuol dire che certe mentalità rappresentate nell’opera non sono invecchiate. Il mio è sempre stato un cinema satirico che si riferiva all’attualità in cui veniva fatto, ma ci si accorge sempre più che questa attualità è abbastanza eterna. Voglio dire, i difetti continuano a ripetersi, il mio è un personaggio del ’72 a cui sembrano ispirarsi personaggi di trent’anni anni dopo: un industriale sicuro di sé, volgare, donnaiolo, senza scrupoli, soddisfatto di sé della sua simpatia e della sua disinvoltura morale. Ci sembrava originale all’epoca, ma ce lo siamo ritrovati non solo al cinema ma nei più alti luoghi della vita pubblica e politica italiana”.

Il film ha un finale discusso. Il protagonista nel racconto di Durenmatt da cui il film è tratto (La Panne, n.d.r.) si suicidava, nel suo film no, anzi si fa proprio una bella risata di tutta questa procedura inquisitoria: può raccontarci come andò il rapporto con lo scrittore svizzero?

“Tutto il film è ispirato al libro di Durenmatt. Un signore che era molto contrario a concedere i diritti sue opere, perché aveva avuto altre esperienze cinematografiche non positive. Però il nostro script e il film li apprezzò molto, anche se alla fine erano molto distanti dal suo libro. Avevamo radici culturali differenti: lui era un protestante luterano, con il senso del peccato e dell’espiazione, un elemento lontano a quello che volevo fare io. L’imputato là veniva travolto dalle accuse dei magistrati a tal punto che per scrupolo di coscienza arrivava a suicidarsi perché si rendeva conto di essere colpevole delle cose che gli venivano contestate. Il mio personaggio non aveva però questo scatto di coscienza, anzi forse non aveva proprio una coscienza, tanto che ride fino alla fine, anche dopo la sentenza di morte comminata. In fondo sa di essere un personaggio eterno, di appartenere a una classe borghese che non soccombe soltanto perché qualcuno l’accusa, ma è così certo del suo futuro e di quello che fa che l’unica reazione alla condanna è il riso”.

Oltre alla figura centrale, ci sono quattro magistrati/giudici. Narrativamente parlando sembra ancora di rileggere vent’anni di storia italiana…

“La magistratura ha influito sul recente passato italiano ma non abbastanza. Quel tipo di colpevole non è scomparso e le sentenze emesse non hanno cambiato natura di una certa umanità. Anche i magistrati illuminati come quelli del mio film, con  argomentazioni da applauso, dovranno subire la fiera invincibilità di questo personaggio”.

Dopo il 1972 con Sordi non lavorò più. Ma che fosse al suo servizio o a quello di Monicelli, o a quello di Risi, la maschera sembrava essersi sovrapposta all’uomo?

“Per Sordi ho sceneggiato una decina di film e gli ho scritto diversi personaggi radiofonici tra cui Mario Pio. La scelta d’incarnare questa figura dell’italiano medio è sempre stata una sua precisa scelta d’attore. I personaggi positivi li scartava a priori. Era talmente convinto che i difetti degli italiani andavano descritti e sviscerati per cui era sempre alla ricerca di personaggi cosiddetti negativi, ma che, artisticamente diventavano archetipi o metafore”.

Lei ha avuto una forte militanza politica nel Pci nel suo passato. In questo momento storico quale indicazione darebbe ad un giovane idealista o politicamente impegnato?

“Non ho la presunzione di indicare dove si va. Restano però certe idee e convinzioni uguali a se stesse perché le esigenze non cambiano, le situazioni sociali, del paese intero,  restano quelle. Certi principi di tendenza e desiderio di uguaglianza, di redistribuzione della ricchezza in modo diverso, non possono mutare. Spero che un giorno queste idee vengano superate, ciò vorrà dire che l’Italia avrà fatto un passo avanti. Se quelle utopie rimarranno tali, bisognerà nutrire ancora quelle idee e cercare di fare qualcosa”.

Quando è caduto il governo Berlusconi c’è stata festa nazionale, ma poi è sembrato di essere tornati in una strana soluzione di stallo con il governo Monti, non trova?

“Anche qui va visto soprattutto il lato positivo. C’è stato un cambiamento e i cambiamenti sono sempre dolorosi, comportano sacrifici. Del resto crisi è una parola che in greco vuol dire scelta. Siamo di fronte a momenti di scelta e di grande responsabilità. Ben vengano certi sacrifici se possono portare a qualche corruzione o volgarità in meno”.

“Educazione siberiana come C’era una volta in America di Leone” (da ilfattoquotidiano.it)

La pellicola di Gabriele Salvatores uscirà il 28 febbraio. Interpellati su quali siano state le reazioni dei compratori stranieri dopo la visione del film i produttori hanno spiegato che uno dei paragoni più frequenti è stato con il capolavoro diretto dal maestro italiano nel 1984: “In molti l’hanno chiamato Once upon a time in Siberia”

di Badtaste.it per il Fatto

Il libro è stato un grande successo, il film è diretto da un premio Oscar (per Mediterraneo), tra i protagonisti c’è una star hollywoodiana (John Malkovich), il pubblico di riferimento infine nemmeno per un momento è stato solo quello italiano. E chi ha già visto e comprato la pellicola la paragona a uno dei capolavori di Sergio Leone “C’era una volta in America”.

Educazione siberiana di Gabriele Salvatores uscirà al cinema il 28 febbraio ma è stato già venduto in tutti i principali paesi europei e “contiamo sarà venduto in tutto il mondo entro fine maggio”, afferma la produzione durante la presentazione alla stampa. Come già è successo con gli ultimi film di Tornatore (Baaria e La migliore offerta) il cinema italiano si sta impegnando per produrre a un altro livello, investendo capitali decisamente più cospicui del solito in film che abbiano un vero respiro internazionale, con l’idea di venderli ovunque grazie a interpreti stranieri noti in tutto il mondo. Non si tratta di un caso ma di una volontà chiara e precisa di diversi produttori: uscire dall’Italia e ampliare il pubblico potenziale per evitare di soccombere alla crisi delle sale.

Per farlo Cattleya e Rai Cinema hanno scelto il romanzo di Nicolai Lilin, il quale è stato ben lieto che a trasporlo ci abbia pensato Salvatores: “L’unico tra i molti registi con cui ho parlato che mi ha dato l’idea di aver davvero capito il senso delle storie contenute nel mio libro” aveva detto qualche mese fa lo scrittore, ospite al Courmayeur Noir Festival. Di contro il nostro premio Oscar ha realizzato un film che non ha nulla del cinema italiano come siamo soliti intenderlo, a partire dagli attori, tutti stranieri (tra i quali John Malkovich ed Eleanor Tomlinson) e dal budget (10 milioni di euro), per finire con le dimensioni del set e delle scene: “Per la prima volta nella mia vita in un lungometraggio da me diretto ha lavorato gente che io non ho mai visto per tutto il tempo della lavorazione”, ha riassunto Salvatores.

Il risultato è un film che prende alcune storie del libro da cui si ispira e le allarga per renderle la trama portante di una grande epica, innestandole con molte immagini o personaggi che nel libro sarebbero altrove. Un gruppo di amici nato e cresciuto nel clan dei siberiani, secondo la rigida educazione al codice della gang locale (roba di tatuaggi che raccontano la tua storia, coltelli regalati a 13 anni e violenza all’ordine del giorno in un villaggio in cui l’esercito ha paura a entrare, il tutto regolato da una rigida morale), i quali si trovano divisi dal cambio epocale tra regime sovietico e nuova Russia. “In un mondo che non ha più riferimenti e non gli propone più un futuro, loro dovranno cercarselo” ha spiegato Stefano Rulli, sceneggiatore di metà dei film italiani contemporanei che con il socio Petraglia ha adattato il libro; “alcuni di loro lo troveranno nelle radici, nella cultura siberiana da cui provengono e negli insegnamenti che hanno ricevuto, altri nella nuova Russia delle mafie e della corsa ad arricchirsi”.

Se qualcosa doveva essere scelto per fare breccia nel cuore del cinema mondiale non puntando più sui caratteri nazionali (le commedie all’italiana, le storie “cartolina”, i mandolini, i comici buffi…) questo appare come il libro giusto, sincero e onesto oltre ogni limite, basta vedere i tatuaggi impossibili da nascondere sulle mani e sul collo dello scrittore, che realmente gira con un coltello a scatto in tasca, e non per difesa ma solo perché “lo porto con me come molti di voi portano un crocefisso”. Eppure, nonostante tutte le intenzioni di staccarsi dalla scuola italiana di cinema, qualcosa è rimasto. Interrogati su quali siano state le reazioni dei compratori stranieri dopo la visione del film i produttori hanno spiegato che uno dei paragoni più frequenti era con Sergio Leone e C’era una volta in America: “In molti l’hanno chiamato Once upon a time in Siberia”.

A cura di Gabriele Niola

IMAGINANTES. Ojos bien abiertos. Federico Fellini

Fabio Fazio, Dario Argento e “Dracula 3D” ( Che tempo che fa, 12 11 2012)

Il regista Dario Argento, col suo nuovo lavoro, “Dracula 3D”, si confronta con uno dei miti della letteratura e del cinema horror.